La exposición del grupo alemán en el Museo Nacional de Arte Decorativo presenta una serie larga de fotos tomadas durante el periodo de guerra y de posguerra. Esta colección recopilara series de fotos sacadas por distintas personalidades que sin formar una institución conglomeraron una mirada diferente sobre la fotografía en su momento y en su lugar.Vale comentar que al llegar al museo este se encontraba cerrado por una huelga que al rato fue disuelta y nos permitió ver la exposición, hecho que remarca la situación de nuestro país en la decadencia de las entidades publicas. El museo se encuentra sobre la Av. Libertador, frente a la zona residencial de embajadas y parques de la zona de Recoleta y cuenta con una serie de piezas mobiliarias adquiridas y regaladas, que confrontan la y producen cierta ambigüedad con la exposición temporaria de fotografías que apelan mas que a una objetividad de las cosas a su opuesto. Las fotografías del grupo alemán se encuentran en las salas del subsuelo, dentro de tres grandes sectores (entre ellos otros subsuelo con una temática especial, que luego será comentada) en donde se encuentran una serie de imágenes donde la principal característica se basa en la manipulación de la cámara, esto que Flusser da a nombrar como el hecho de romper con la caja negra. El quiebre del paso de una fotografía comercial destinada a enaltecer la figura humana, el régimen nazi y su propuesta de imagen, y lo figurativo como preponderante en la imagen, pasa al otro lado donde lo subjetivo, lo autónomo y lo abstracto se subyace por medio del trabajo sobre la técnica y la tecnología. “Hoy en dia diseño significa mas o menos aquel lugar en el cual el arte y la técnica (y por ello el pensamiento valorativo y el científico) se solapan mutuamente, con el fin de allanarle una nueva cultura” (V. Flusser “Acerca de la palabra diseño” – ‘Las formas de las cosas’), este texto nos indica, sobre la base de la ontología de la palabra diseño, sobre como el trabajo sobre la materialidad de los objetos con los que se producen las imágenes puede ser alterado por medio de conocimientos técnicos a un nuevo resultado estético valorativo. Estas imágenes exhibidas nos muestran desde lugares destruidos por la guerra, pasando por retratos, hasta infinitas variedades de imágenes microscópicas, deformadas, graficas, surrealistas y altamente trabajadas. En este lugar las imágenes se separan del momento en el que se encuentra del aspecto comercial y se presentan realidades tomadas desde un punto de vista distinto, marcando una representación diferente, se separan del marco temporal porque líneas negras sobre fondos blancos no poseen una espacio-temporalidad y trabajan en la búsqueda de “engañar” al espectador hasta no saber si esa foto es realmente así, si así fue tomada directamente o si esconde un trabajo minucioso en su negativo, como en la imagen del árbol nevado. La manipulación como experiencia visual, táctil y sensitiva trae a relucir este juego que produce Flusser acerca de la palabra ‘diseño’, en cuanto que en su estudio la palabra “ars” termina por descifrar como “manipulabilidad” y su relación con aquello que nos termina enredando y queriéndonos hacer un truco, encontrándonos aquí con una tendencia a lo artificioso, a eso que al fin de cuentas, luego de separar el arte y técnica nos permite “llevar una vida mas arti-ficial (mas bella)”-Flusser.En el ultimo subsuelo se encuentra la tercera sala que junta una serie de fotografías que hacen referencia a hechos, entre algunas imágenes, sobre la muerte. Así como en la muestra de Robert Frank, vimos que una pared era dedicado a lo mismo, aquí pasa algo parecido. “La imagen de las cosas es también la de su duración; algo así como la momificación del cambio” (Ontología de la imagen fotográfica-‘Ontología y lenguaje’). En una foto se encuentra 5 cadáveres en el piso, puesto uno al lado del otro en un cuarto vacío, deteriorado mientras que contra la pared se ve una escultura romana grande en la que dos personas se están peleando (o matando). Tanto la escultura como la foto de esas personas muertas remiten a esta idea de encajar el tiempo en un instante, esta referencialidad permanente al medio no deja de estar presente en toda la exposición.La foto elegida para analizar es la 101 de Otto Steinert llamada “Paisaje Industrial de Lorena” (1956). Es una foto vertical, en la que la mayor parte se encuentra saturada, llevada a blancos y negros contrastados, (pero mas bien blancos) tres cuartos hacia arriba, una zona de grises varios y por ultimo la fabrica en alto contraste negro en la parte superior de  la hoja. Esta foto muestra por un lado el trabajo sectorizado en la copia al papel, en el que decidió producir un contraste y un desarrollo de menor a mayor en cuanto a tonalidades en la imagen. En la zona inferior de la foto se encuentra todo un sector de troncos de árboles que fueron cortados, dejando solo pedacitos de trancos agarrados y repetidos por un gran terreno, luego hay una zona media, de transición en la que la escala de grises se encarga de establecer un vinculo entre ambas puntas del papel y por ultimo está la fabrica en sombra, en negro, como ultimo detalle al borde de la hoja, pero bien remarcada por su silueta determinante y característica como icono y símbolo de la época.